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In breve
"Rewind" è una canzone sul desiderio, raccontato senza giri di parole. Lui vede una donna in televisione, ne resta folgorato e, grazie al videoregistratore, torna indietro e la rivede ancora, lasciando correre la fantasia. Vasco stesso l'ha descritta come il racconto di un rapporto sessuale: non una seduzione, ma una voglia condivisa, vissuta da entrambi.

La storia
Il brano chiude Canzoni per me, l'album di Vasco Rossi uscito il 24 aprile 1998, registrato tra Bologna e Los Angeles e prodotto da Vasco con Celso Valli. Il testo è di Vasco, la musica di Gaetano Curreri degli Stadio, e la chitarra elettrica è di Stef Burns. È uscito come quarto singolo il 4 febbraio 1999 e ha dato il nome al "Rewind Tour" negli stadi e al doppio album dal vivo Rewind, registrato all'Heineken Jammin' Festival di Imola.

In un'intervista a Repubblica, ripresa da Rockol, Vasco ha raccontato che in studio la band la considerava "una canzone carina ma non così eccezionale". Dal vivo invece è esplosa, fino a diventare "il pezzo che tutti aspettano". Ai concerti è nata anche una tradizione famosa: il lancio dei reggiseni verso il palco.

Perché è diventata un classico dei concerti
Il Post l'ha definita "la madre di tutti i suoi rocchettoni ballabili". Ritmo trascinante, testo ironico e sensuale, e un ritornello che tutto lo stadio aspetta per gridarlo insieme.

In breve
"Vermilion Pt. 2" è il seguito acustico e struggente di "Vermilion". La prima parte racconta un'ossessione per una donna dal punto di vista di chi la perseguita; la seconda è il dopo, quando resta solo il vuoto. Chi canta si rende conto che la donna che ha idealizzato non è mai stata reale come la immaginava, e che non può farla diventare tale.

La storia
Entrambe le parti fanno parte di Vol. 3: (The Subliminal Verses), l'album degli Slipknot del 2004 prodotto da Rick Rubin. Corey Taylor ha raccontato che il demo della prima parte gli faceva "vedere rosso", da cui il titolo (vermiglio), e di aver scritto il testo dal punto di vista di uno stalker, per catturare quell'urgenza oscura e quel bisogno disperato.

Taylor ha spiegato che la prima parte parla di attesa e nevrosi, mentre la seconda è "le conseguenze": le macerie emotive da raccogliere dopo. Musicalmente è lontanissima dal suono abituale della band: due chitarre acustiche, violoncello, pianoforte e la voce di Taylor bassa e quasi sussurrata. Il video, diretto da Marc Klasfeld, mostra la stessa ragazza della prima parte addormentata in un campo; a poco a poco si capisce che è morta. Un remix è finito nella colonna sonora di Underworld: Evolution.

Perché colpisce anche chi non ascolta metal
Tolta la furia del suono abituale, resta una canzone nuda sulla solitudine e sull'amore impossibile. Molti l'hanno scoperta proprio così, come la "ballata" degli Slipknot.

In breve
"On Top of the World" è la canzone di chi ce l'ha fatta dopo tanta fatica. Chi canta ha aspettato a lungo questo momento, ci ha creduto fin da bambino, e ora si sente in cima al mondo. È uno dei brani più luminosi degli Imagine Dragons, e viene letto come una festa per il loro successo dopo anni passati a suonare senza che nessuno se ne accorgesse.

La storia
Il brano fa parte di Night Visions, il primo album della band di Las Vegas, uscito nel 2012; come singolo è uscito nel marzo 2013. L'hanno scritto i quattro membri del gruppo, Dan Reynolds, Wayne Sermon, Ben McKee e Daniel Platzman, insieme al produttore Alex da Kid. Rispetto ai pezzi più cupi dell'album, come "Radioactive" o "Demons", è costruito su chitarra e pianoforte e ha un tono decisamente positivo.

È diventato una colonna sonora dell'ottimismo: è stato usato nei videogiochi FIFA, in pubblicità di Vodafone e Ford, nei servizi sportivi di ESPN ed è stato suonato a un evento per il secondo insediamento di Barack Obama. Il video gioca con la teoria del complotto secondo cui lo sbarco sulla Luna sarebbe stato girato in studio: la band finge di essere un equipaggio di astronauti su un set, e alla fine i fan trasformano le riprese in un concerto.

Perché funziona
Battimani, cori e un ritmo che sale: è costruita per essere cantata in coro. Funziona per una partita, per uno spot, per una festa di laurea, per qualsiasi momento in cui si festeggia un risultato sudato.

In breve
"No More 'I Love You's'" racconta il momento in cui in una coppia qualcuno smette di riuscire a dire "ti amo". Non c'è un litigio, non c'è un tradimento: le parole semplicemente non escono più. È una canzone strana e poetica su un amore che si spegne dall'interno, quando il linguaggio stesso dell'amore perde senso.

La storia
La versione che quasi tutti conoscono è quella di Annie Lennox del 1995, primo singolo del suo album di cover Medusa. Ma la canzone nasce quasi dieci anni prima: l'hanno scritta David Freeman e Joseph Hughes, che la incisero nel 1986 con il loro duo, The Lover Speaks. All'epoca non ebbe successo.

Freeman ha spiegato che parla del punto in una relazione in cui una persona non riesce più a rispondere "ti amo", e che il testo si ispira ai Frammenti di un discorso amoroso di Roland Barthes. Annie Lennox ha detto di aver voluto dare all'originale "un'altra possibilità", definendone il testo straordinario, poetico e astratto. La sua versione è arrivata al primo posto in Italia, Canada e Spagna, al secondo nel Regno Unito, e ha vinto il Grammy per la miglior interpretazione vocale pop femminile. Il video, ideato da lei, la mostra come una cortigiana in un bordello della Londra di fine Ottocento, con atmosfere ispirate ai quadri di Degas e Toulouse-Lautrec.

Perché è così particolare
È una canzone d'amore che non parla di amore ma della sua assenza, e lo fa in modo astratto, quasi teatrale. La voce di Annie Lennox, elegante e distaccata, la rende allo stesso tempo malinconica e ipnotica.

In breve
"L'ombelico del mondo" è una festa: un inno alla voglia di vivere, di incontrarsi, di sentirsi parte del mondo intero. L'"ombelico del mondo" è un luogo dove le regole non valgono, dove la gente si ritrova e sente salire un'energia comune. Non è un posto preciso sulla mappa, è ovunque ci sia ritmo e qualcuno con cui condividerlo.

La storia
È uscito il 19 ottobre 1995 come primo singolo di Lorenzo 1990-1995, la raccolta in cui Jovanotti metteva insieme i primi anni della sua seconda vita artistica, dopo il periodo da dj e rapper leggero. Era uno dei due inediti del disco. Il suono mescola hip hop e samba, con le percussioni in primo piano, ed è uno dei momenti in cui Jovanotti abbraccia di più la musica del mondo.

Il video è stato girato a Mantova, nella Sala dei Giganti di Palazzo Te, tra gli affreschi di Giulio Romano. Grazie a questo brano Jovanotti è stato invitato agli MTV Europe Music Awards, e il singolo è stato disco d'oro in Italia. Negli anni è stato reinterpretato da altri artisti, per esempio da Cosmo in chiave elettronica, e resta uno dei pezzi più attesi dei suoi concerti.

Da dove viene l'espressione
"Ombelico del mondo" è un modo di dire antico: indica il punto da cui tutto sarebbe cominciato, il centro della vita e della storia. I Greci lo usavano per Delfi; per gli Inca era Cuzco, il cui nome nella loro lingua vuol dire proprio "ombelico". Jovanotti prende questa idea e la rovescia: il centro del mondo non è un luogo sacro, è dove le persone si incontrano.

Perché è ancora un inno
È diventata un inno generazionale, il ritratto di una voglia di vivere e di essere liberi che si sente ancora oggi. Il Post l'ha definita "un'invenzione geniale" e "un gran pezzo da ballare". Si balla ai matrimoni, alle feste e ai concerti, da chi aveva vent'anni nel 1995 e da chi non era ancora nato.

In breve
"A Thousand Years" è una dichiarazione d'amore senza tempo: chi canta dice di aver aspettato l'altra persona per mille anni, e di essere pronta ad amarla per altri mille. È nata per la storia di Edward e Bella di Twilight, un amore tra un vampiro immortale e una ragazza, ma è diventata una delle canzoni più scelte per i matrimoni di tutto il mondo.

La storia
Nel 2011 i produttori della saga chiesero a Christina Perri di scrivere un brano per The Twilight Saga: Breaking Dawn, parte 1, il film del matrimonio tra Edward e Bella. Lei vide il film mesi prima dell'uscita e scrisse la canzone con David Hodges, che l'ha anche prodotta. Ha raccontato a Teen Vogue di aver provato a "entrare nella loro storia d'amore". Il singolo è uscito il 18 ottobre 2011; per Breaking Dawn, parte 2 Perri ne ha registrato una seconda versione con Steve Kazee.

Il successo è andato molto oltre il film: negli Stati Uniti la canzone è stata certificata tredici volte disco di platino, e nel Regno Unito cinque.

Perché è diventata un classico
Melodia semplice, pianoforte, una voce delicata e un messaggio universale: l'amore come qualcosa di destinato, che vale l'attesa. Funziona anche per chi non ha mai visto Twilight.

In breve
"The Power of Love" celebra l'amore come forza capace di spazzare via ogni paura. Chi canta descrive l'intimità con la persona amata, il risveglio accanto a lei, la sensazione di essere protetta, e si arrende volentieri a questo sentimento: quando ami così, nient'altro sembra avere la stessa grandezza.

La storia
Pochi sanno che la canzone non nasce con Celine Dion. L'originale è di Jennifer Rush, cantante americana che la registrò in Germania per il suo primo album, uscito nel 1984. La musica è di Gunther Mende e Candy DeRouge, il testo della stessa Rush con Mary Susan Applegate. Nel 1985 la versione di Rush rimase cinque settimane al primo posto nel Regno Unito e fu il singolo più venduto dell'anno in Gran Bretagna.

Nel 1993 Celine Dion la scelse come primo singolo dell'album The Colour of My Love. La sua versione, più ampia e potente, è rimasta quattro settimane al primo posto negli Stati Uniti nel febbraio 1994 ed è diventata una delle sue canzoni simbolo, prima ancora di "My Heart Will Go On".

Perché emoziona ancora
La costruzione è da manuale: inizia quasi sussurrata e cresce fino a un finale in cui la voce si apre completamente. Nella versione di Celine Dion quel crescendo diventa un momento da brividi, ed è per questo che la canzone è tanto amata ai matrimoni quanto temuta ai karaoke.

In breve
"Hey There Delilah" è una lettera d'amore cantata a una ragazza lontana: lui è a New York e sogna di farcela con la musica, lei è dall'altra parte del paese. Le promette che la distanza non conta e che un giorno saranno insieme. La particolarità è che Delilah esiste davvero, ma tra i due non c'è mai stata una storia.

La storia
Intorno al 2002 Tom Higgenson, cantante dei Plain White T's, conobbe tramite un amico Delilah DiCrescenzo, un'atleta di alto livello che correva le siepi e il cross. Le disse, per fare colpo, di avere già una canzone su di lei; non era vero. Lei lo respinse, ma rimasero in contatto, e circa un anno dopo lui la canzone la scrisse davvero. Higgenson ha spiegato di aver dovuto immaginare cosa le avrebbe detto se fossero stati una coppia, proprio perché non lo erano.

Il brano uscì nel 2005 nell'album All That We Needed e poi, con l'aggiunta degli archi, in Every Second Counts. Nel luglio 2007 è arrivato al primo posto della classifica Billboard negli Stati Uniti, oltre che in Canada e Germania, e ha ricevuto due candidature ai Grammy, tra cui canzone dell'anno. Delilah ha raccontato che non è stato facile essere la ragazza di una canzone così famosa, con la pressione di dover essere all'altezza di quell'ideale.

Perché ci si riconosce
Chiunque abbia vissuto una relazione a distanza, o un amore sognato più che vissuto, ci ritrova qualcosa. Sapere che la storia vera è finita prima di cominciare la rende ancora più malinconica.

In breve
"Complicated" è una canzone contro chi finge. Avril Lavigne si rivolge a un ragazzo che con lei è in un modo e davanti agli amici diventa un altro, e gli chiede perché debba rendere tutto così complicato. Il messaggio è semplice: sii te stesso, invece di metterti una maschera.

La storia
È il primo singolo di Avril Lavigne, uscito l'11 marzo 2002, quando lei aveva diciassette anni, e fa parte del suo album d'esordio Let Go. L'ha scritta con Lauren Christy, Scott Spock e Graham Edwards, il trio di autori e produttori noto come The Matrix. Lavigne ha spiegato che parla della sincerità con sé stessi: le danno fastidio le persone che non sono vere e hanno due facce, e le era capitato sia con dei ragazzi sia con delle amiche.

Il successo fu immediato: secondo posto negli Stati Uniti, terzo nel Regno Unito, primo in Australia e in altri paesi, e due candidature ai Grammy del 2003. Il video, girato in un centro commerciale di Los Angeles, la mostra mentre lo "invade" con la sua band sugli skateboard: ha contribuito a creare la sua immagine di ragazza ribelle e senza filtri, lontana dalle popstar dell'epoca.

Perché è ancora attuale
Parla di un'esperienza che quasi tutti fanno da adolescenti, e non solo: vedere qualcuno cambiare per piacere al gruppo. Vent'anni dopo, con i social, il tema della maschera è forse ancora più vicino.

In breve
"Ricomincio da qui" racconta il momento più difficile da mettere in una canzone: quello in cui una storia è in bilico. Non l'inizio di un amore, non la fine, ma l'istante in cui ci si accorge che così non si può andare avanti e si decide da dove ripartire. Il titolo non è un lieto fine, è una scelta.

La storia
Malika Ayane l'ha presentata al Festival di Sanremo 2010, dove è arrivata quinta ma ha vinto due dei premi più ambiti: il Premio della Critica "Mia Martini" e il premio della Sala Stampa. Il testo l'ha scritto lei insieme a Pacifico, la musica è di Ferdinando Arnò, che l'ha anche prodotta. È uscita come singolo nel febbraio 2010 e fa parte del suo secondo album, Grovigli.

Presentando il brano a Rockol, Malika ha spiegato che racconta il momento in cui un rapporto, sentimentale ma non solo, non ha più senso, mentre si è ancora sospesi in "un limbo di intenzioni": la decisione è presa, ma non ancora messa in pratica. Ha detto di essere partita da una poesia di Jacques Prévert, "Déjeuner du matin" (una colazione in cui un uomo beve il caffè, fuma e se ne va senza dire una parola, mentre la donna lo guarda e alla fine piange), e da un'idea di Kahlil Gibran sul numero due. Gli arrangiamenti sono di Vincent Mendoza, con i fiati che fanno crescere la voce fino a esplodere e poi placarsi. Il singolo è arrivato al secondo posto in classifica, dietro solo a "Per tutta la vita" di Noemi, ed è diventato disco di platino.

Perché è rimasta
La voce particolare di Malika, l'eleganza dell'arrangiamento e un tema che quasi tutti hanno vissuto: quella sospensione in cui non sai ancora se stai per andare via o per ricominciare. La critica di Sanremo l'ha premiata proprio per questa raffinatezza.